雕塑艺术至今已有千年的历史，它在不同时代及社会环境下有不同的演绎。其中当代英国雕塑大师安东尼．葛姆雷（Antony Gormley）的雕塑以身体形象出发，探索了人体跟建筑及自然环境的关系。作品的视觉语言简约敏锐，触动人心。
近日葛姆雷应香港国际艺术展邀请来港，香港英国文化协会特别与香港艺术馆合作举办名为「从身体到艺术创作」的讲座，吸引近二百位本地艺术家、学者及艺术从 业员到场出席。除演讲厅外，艺术馆的大堂亦汇聚了近百名市民观看现场直播，可见讲者及其作品的魅力。
葛姆雷讲述他过去25年内的艺术创作，其中大部分都是以身体作为创作的基础，很多时他更以自己的身体为蓝本进行创作。
一． 身体的可塑性
葛姆雷表示，他自小对身体的空间已感到兴趣。1971-1974年间，他前往印度游学，旅程中他看见不少当地人在街道上，以被单裹身睡觉。对他来说，被单 下的身躯就像一件件雕塑和建筑结构。此启发他对身体进行探索。回国后，他邀请朋友以净色床单覆裹身体，并摆出不同姿势，以最简单快捷的方法，将身体转化成 不同型态的雕塑品，创作《睡觉地方》(Sleeping Place, 1973) 等作品。无疑，这对他往后从事对「身体空间」（the place of body）的探索及以「身体作为空间」（the body as place）打下良好的基础。
二． 身体与房间
其后，葛姆雷透过展示不同型态的人像，来探讨身体与房间的关系。《土地》(Field, 1984-85) 示范了其中最简单的方法是将人像雕塑的双手横向延伸至房间两端，使其触摸到墙身，造成一种视觉和空间上的张力。 这效果不但有一种要冲破房间限制的感觉，更引导观众去思考人体比例与房间的关系。透过改变人像的型态，葛姆雷丰富了以身体作为创作媒介的可能性，这比单纯 以布裹身的方法有更大的发展潜力。
除了改变人体的比例外，葛姆雷亦尝试改变人像的动作。他曾铸造一个坐在房间角落的人像。人像双手沿着墙身向上方伸展，双脚紧贴两边墙角的边缘张开，使双手 和脚的方向成了立体直角的关系。虽然人像的动作极不自然，却引导观众重新思考自己跟房间的关系：身体在房间中不一定会独立存在，有时可以按其框架来被塑造 成新的状态（body is contextualized in the architectural space）。
在《吸力》(Drawn, 2000/2007) 中，葛姆雷进一步将此人型雕塑复制，并把它们分置于房间的四个角落内——有的是上下倒置的，有的是横倒的。被挂在高处的人像以反地心吸力的状态展现在观众 眼前，仿佛使尽浑身解数，让观众注意房间内被忽略的每一个空间。另外，艺术家刻意在雕塑的表面保留模范接合及注铜的痕迹，既强调了它的工业性 （industrially produced body），同时亦提醒观众它的艺术味道。
三． 身体与建筑元素
除了改变人像的型态外，葛姆雷在展览场地引入建筑元素，来丰富观众在「观看」作品时的经历。较早期的方法是在展厅内展出方型盒装置，让观众内进。由于装置 是按人体尺寸来造的，观众进入时身体会有受限制的感觉。
另一较抽象的方法是按照建筑物的面貌，将人体转化制成一复杂结构，并横置于展厅中。此人体结构高达六米，能让观众能从侧面和下面穿过，去探索建筑结构与身 体的关系。《苍天》（Firmament, 2008）进一步以金属钢条建成人体，改变人体的虚实情况。由于整件作品是以多边型的立体结构建成，所以内里中空，容许观众走进其中进行探索。艺术家透过 不同的建筑物料和方法，改变人像的面貌及与观众的关系，进一步实践「身体作为空间」的概念。
四． 身体与房间的能量
葛姆雷对身体艺术的探索可谓层出不穷。除了借用上述建筑结构去丰富人像的面貌之外，他亦使用无稳定结构的方法去改造人体空间。在《情感物质 XIII》(Feeling Material XIII, 2004)中，他利用长达数公里的金属线圈来组成人体支干，过程中亦有让部分线圈顺势投向墙身，然后再反弹到作品中心，如斯翻来覆去完成作品。结果，人体 的面貌和独立性被分解，并和周围的空间结合成一个能量空间（body as an energy field），同时亦为展览房间注入能量（energize the space of the room）。观众于人形雕塑中走动的「动」，跟作品的所展现的能量互相呼应，比上述改造身体结构的方法更能牵动观众的情绪。
这方法对葛姆雷来说或许是不够的。他进一步将「线圈人」瓦解成线圈，让其在房间展现绕动的状态。观众对此作品的态度不一：有的不愿意步入线圈，只远远站在 外面观看；有的则主动走入并发掘此空间的奇异之处。对于艺术家来说，后者成为了作品的一部分，他们在观看作品的同时亦被其它观众观看（become the view of other viewers）。透过瓦解人体结构，葛姆雷改变了作品和观众身体间的关系。
五． 身体与城市的关系
除了展览空间外，葛姆雷对城市空间亦感兴趣。《事件临界》(Event Horizon, 2007-10) 是一系列置于建筑物天台和城市中心的玻璃纤维人像，最初于伦敦泰晤士河两岸展出，而讲座上葛姆雷则展示了2010年《事件临界》在纽约市中心的照片，包括 广场中心及xx的摩天大楼——帝国大厦和熨斗大厦的楼顶。人像一般无特别的表情和动作，只是呆呆「站在」街上和大厦楼顶，吸引着路人的目光。路人在日常生 活中巧遇葛姆雷的人像，而成了作品的观众。可是他们往往摸不着这些人像的制作动机，只是停下脚步，朝作品的方向发呆。但对艺术家来说，透过重置作品于城市 中，他启发人们关注被忽略的城市空间——广场中心及建筑物的轮廓线，及让他们从新的角度和生活节奏去感受自己的城市（new sense of space and time）。
六． 身体与大自然的关系
假如观众觉得上述方法有点取巧，{zh1}一类创作方法却是相当感人的。葛姆雷播放了十多张人像被装置于自然空间的照片，包括澳洲西部和德国库克斯港的海滩之 上。前者《在澳洲里》(Inside Australia, 2002-3) 的形象较抽象，51尊塑像以750米的距离安置于银白色的沙土上。虽然塑像数量甚多，但在广漠之上却显得相当渺小。由于作品已和环境结合，观众在沙土上的 脚印亦算为作品留下一定的痕迹。《别处》(Another Place, 1997) 的100尊像以平均500米的距离排列，它们朝同一方向望向海面。潮退时人像直立于沙滩上；潮涨时人像与海水结合。此类雕塑作品创造了艺术塑像矗立于大自 然的景象，并随时间的改变来展现大自然在它们身上的痕迹，加强了人与自然的契合。
对于葛姆雷的艺术创作历程来说，90分钟的演讲是不足够的。他从身体的形象出发，探索使用不同的物料和方法来创作人型雕塑，更透过使用不同的展示空间来改 变观众的感观。从中可见他对身体及环境极为敏感。
后记：身体与艺术的来龙去脉
将葛姆雷的艺术创作放回他的时空的话，也许更容易明白他为何对身体与空间如斯着迷。60、70年代已有不少欧美艺术家开始对身体感兴趣，而纷纷从事对身体 和行为艺术的探索，例如约瑟夫．博伊斯（Joseph Beuys, 1921-1986）和维托．阿肯锡（Vito Acconci, 1940-）等。另外，该时代的一些欧美艺术家亦开始对自然感兴趣，出现诸如罗伯．史密森（Robert Smithson, 1938-1973）等以大自然作创作空间的「地景艺术」。葛姆雷对人体及空间的探索可谓延续及丰富了这两条脉络，同时又展现他个人的理想：艺术不应受图 像及故事元素所支配，更不应受艺术机构和市场的影响；应成为生活的一部分，并以最基本的方式去探索人的存在方式和未知的世界（horizon）。
近日葛姆雷应香港国际艺术展邀请来港，香港英国文化协会特别与香港艺术馆合作举办名为「从身体到艺术创作」的讲座，吸引近二百位本地艺术家、学者及艺术从 业员到场出席。除演讲厅外，艺术馆的大堂亦汇聚了近百名市民观看现场直播，可见讲者及其作品的魅力。
葛姆雷讲述他过去25年内的艺术创作，其中大部分都是以身体作为创作的基础，很多时他更以自己的身体为蓝本进行创作。
一． 身体的可塑性
葛姆雷表示，他自小对身体的空间已感到兴趣。1971-1974年间，他前往印度游学，旅程中他看见不少当地人在街道上，以被单裹身睡觉。对他来说，被单 下的身躯就像一件件雕塑和建筑结构。此启发他对身体进行探索。回国后，他邀请朋友以净色床单覆裹身体，并摆出不同姿势，以最简单快捷的方法，将身体转化成 不同型态的雕塑品，创作《睡觉地方》(Sleeping Place, 1973) 等作品。无疑，这对他往后从事对「身体空间」（the place of body）的探索及以「身体作为空间」（the body as place）打下良好的基础。
二． 身体与房间
其后，葛姆雷透过展示不同型态的人像，来探讨身体与房间的关系。《土地》(Field, 1984-85) 示范了其中最简单的方法是将人像雕塑的双手横向延伸至房间两端，使其触摸到墙身，造成一种视觉和空间上的张力。 这效果不但有一种要冲破房间限制的感觉，更引导观众去思考人体比例与房间的关系。透过改变人像的型态，葛姆雷丰富了以身体作为创作媒介的可能性，这比单纯 以布裹身的方法有更大的发展潜力。
除了改变人体的比例外，葛姆雷亦尝试改变人像的动作。他曾铸造一个坐在房间角落的人像。人像双手沿着墙身向上方伸展，双脚紧贴两边墙角的边缘张开，使双手 和脚的方向成了立体直角的关系。虽然人像的动作极不自然，却引导观众重新思考自己跟房间的关系：身体在房间中不一定会独立存在，有时可以按其框架来被塑造 成新的状态（body is contextualized in the architectural space）。
在《吸力》(Drawn, 2000/2007) 中，葛姆雷进一步将此人型雕塑复制，并把它们分置于房间的四个角落内——有的是上下倒置的，有的是横倒的。被挂在高处的人像以反地心吸力的状态展现在观众 眼前，仿佛使尽浑身解数，让观众注意房间内被忽略的每一个空间。另外，艺术家刻意在雕塑的表面保留模范接合及注铜的痕迹，既强调了它的工业性 （industrially produced body），同时亦提醒观众它的艺术味道。
三． 身体与建筑元素
除了改变人像的型态外，葛姆雷在展览场地引入建筑元素，来丰富观众在「观看」作品时的经历。较早期的方法是在展厅内展出方型盒装置，让观众内进。由于装置 是按人体尺寸来造的，观众进入时身体会有受限制的感觉。
另一较抽象的方法是按照建筑物的面貌，将人体转化制成一复杂结构，并横置于展厅中。此人体结构高达六米，能让观众能从侧面和下面穿过，去探索建筑结构与身 体的关系。《苍天》（Firmament, 2008）进一步以金属钢条建成人体，改变人体的虚实情况。由于整件作品是以多边型的立体结构建成，所以内里中空，容许观众走进其中进行探索。艺术家透过 不同的建筑物料和方法，改变人像的面貌及与观众的关系，进一步实践「身体作为空间」的概念。
四． 身体与房间的能量
葛姆雷对身体艺术的探索可谓层出不穷。除了借用上述建筑结构去丰富人像的面貌之外，他亦使用无稳定结构的方法去改造人体空间。在《情感物质 XIII》(Feeling Material XIII, 2004)中，他利用长达数公里的金属线圈来组成人体支干，过程中亦有让部分线圈顺势投向墙身，然后再反弹到作品中心，如斯翻来覆去完成作品。结果，人体 的面貌和独立性被分解，并和周围的空间结合成一个能量空间（body as an energy field），同时亦为展览房间注入能量（energize the space of the room）。观众于人形雕塑中走动的「动」，跟作品的所展现的能量互相呼应，比上述改造身体结构的方法更能牵动观众的情绪。
这方法对葛姆雷来说或许是不够的。他进一步将「线圈人」瓦解成线圈，让其在房间展现绕动的状态。观众对此作品的态度不一：有的不愿意步入线圈，只远远站在 外面观看；有的则主动走入并发掘此空间的奇异之处。对于艺术家来说，后者成为了作品的一部分，他们在观看作品的同时亦被其它观众观看（become the view of other viewers）。透过瓦解人体结构，葛姆雷改变了作品和观众身体间的关系。
五． 身体与城市的关系
除了展览空间外，葛姆雷对城市空间亦感兴趣。《事件临界》(Event Horizon, 2007-10) 是一系列置于建筑物天台和城市中心的玻璃纤维人像，最初于伦敦泰晤士河两岸展出，而讲座上葛姆雷则展示了2010年《事件临界》在纽约市中心的照片，包括 广场中心及xx的摩天大楼——帝国大厦和熨斗大厦的楼顶。人像一般无特别的表情和动作，只是呆呆「站在」街上和大厦楼顶，吸引着路人的目光。路人在日常生 活中巧遇葛姆雷的人像，而成了作品的观众。可是他们往往摸不着这些人像的制作动机，只是停下脚步，朝作品的方向发呆。但对艺术家来说，透过重置作品于城市 中，他启发人们关注被忽略的城市空间——广场中心及建筑物的轮廓线，及让他们从新的角度和生活节奏去感受自己的城市（new sense of space and time）。
六． 身体与大自然的关系
假如观众觉得上述方法有点取巧，{zh1}一类创作方法却是相当感人的。葛姆雷播放了十多张人像被装置于自然空间的照片，包括澳洲西部和德国库克斯港的海滩之 上。前者《在澳洲里》(Inside Australia, 2002-3) 的形象较抽象，51尊塑像以750米的距离安置于银白色的沙土上。虽然塑像数量甚多，但在广漠之上却显得相当渺小。由于作品已和环境结合，观众在沙土上的 脚印亦算为作品留下一定的痕迹。《别处》(Another Place, 1997) 的100尊像以平均500米的距离排列，它们朝同一方向望向海面。潮退时人像直立于沙滩上；潮涨时人像与海水结合。此类雕塑作品创造了艺术塑像矗立于大自 然的景象，并随时间的改变来展现大自然在它们身上的痕迹，加强了人与自然的契合。
对于葛姆雷的艺术创作历程来说，90分钟的演讲是不足够的。他从身体的形象出发，探索使用不同的物料和方法来创作人型雕塑，更透过使用不同的展示空间来改 变观众的感观。从中可见他对身体及环境极为敏感。
后记：身体与艺术的来龙去脉
将葛姆雷的艺术创作放回他的时空的话，也许更容易明白他为何对身体与空间如斯着迷。60、70年代已有不少欧美艺术家开始对身体感兴趣，而纷纷从事对身体 和行为艺术的探索，例如约瑟夫．博伊斯（Joseph Beuys, 1921-1986）和维托．阿肯锡（Vito Acconci, 1940-）等。另外，该时代的一些欧美艺术家亦开始对自然感兴趣，出现诸如罗伯．史密森（Robert Smithson, 1938-1973）等以大自然作创作空间的「地景艺术」。葛姆雷对人体及空间的探索可谓延续及丰富了这两条脉络，同时又展现他个人的理想：艺术不应受图 像及故事元素所支配，更不应受艺术机构和市场的影响；应成为生活的一部分，并以最基本的方式去探索人的存在方式和未知的世界（horizon）。
