转自midifan 作者id:看着学 原帖： 马上过年了，忙啊 ，过年就是过忙啊，好久没写东西了，总觉的欠点什么，“出来混的，迟早都要还的”，我来还债了。。。 其实在中国大多的地方，干这行是离不开自己民族的东西的，什么摇滚，什么英伦中国人骨子里透着不是那种味道。。。所以，今天来点土货，我知道可能大多数人对这个不太感兴趣，但是我还是挤时间写了，算是对前段工作的一个小的总结吧！供大家参考，以备不时之需。（纯属个人经验，仅供参考，如有雷同，心有灵犀） 随着时代的发展，戏曲也与时俱进，在配器形式和内容上都有了很大的改变，除了自身的一些民族乐器，也融入了很多西方的乐器，形成了中西混合编制乐队，下面结合我自己的工作经验，从这几个角度来浅聊一下戏曲的缩混： 一、单轨音色 为了让某样乐器更好听，更加出彩，处理单轨和大多流行音乐中单轨的处理一样，去掉不需要的频率、美化音色、调整融合度、增加群感（弦乐）等一系列的步骤都需要逐一处理。 至于处理顺序因人而异，我个人习惯是由里及表（由深至浅）的来处理，先处理铺底的一部分，在处理“面”上的民乐。当然，在局部也会按频率的高低来动手，先处理低频乐器然后才是高频乐器。管弦单轨处理总体思路上应该模拟还原乐队真实演奏的现场效果。 在这里我想聊聊提琴的群感问题，现在很多的戏曲的配器方面都融合了管弦乐部分，但大多数人由于种种原因是没有机会去真正的音乐厅或带有较好自然混响得中大型录音室来录制弦乐部分的，那么为了省钱，弦乐就搬到了录音室（大多是强吸音或短混响的棚子）来，在这里我只小聊一下小提琴的群感后期处理（下面涉及的处理方法只针对小型录音室录制的弦乐），很多小提琴组都是用几把或者十几把复录几道叠加而成，这种做法虽然在一定程度上增加了群感的可能性，但这时群感并不明显，在实践过程中发现后期增加提琴的群感方法有很多，比如合唱、混响等； 在具体操作过程中，合唱对干声的“群感”有着很大的帮助，可以选择软件中的合唱效果，也可以用硬件的合唱（比如tc 效果器中合唱效果；硬件的合唱效果光泽度，透明感都要优于软件）； 混响对增加群感有着至关重要的作用，除了大家非常熟悉的大厅混响，板混响和房间混响同样可以起到不同的作用；大厅混响像八宝粥中的汤汁一样，把所有的材料融为一体，增加其体积感和融合度，仔细听一下传统的交响乐，你不难发现，提琴的群感大多数都是大厅混响的功劳; 成片的混响尾音漂在弦乐群的后面，形成一个庞大的身躯。至于你用什么大厅，这个就看你的需要了，不同风格的弦乐有着不同选择，和个人的口味也有关系。 利用板混响高频密集，早期反射密集，衰减时间短等特点，对增加小提琴的“模糊感”有很大的帮助，这种增加“模糊感”是增加群感的一个有效的方法，因为在录音室录制的小提琴通常早期反射对声音的补偿是不够的，声音略显单薄，通过补偿，可以较好的增加融合度和群感。建议使用些空间感小、色彩冷一些的板混响，但使用量上要适可而止，过多的板混响会听起来很奇怪。 房间混响对提琴的体积感有着一定的心里量，可以使提琴更具有份量。略微加一些可以增加提琴的厚度，但是量也要适中，否则会影响清晰度。在这里建议使用一些空间感比较小的房间混响或没有明显的空间感，色彩上没有太多的染色较为中性的混响。 在这里我还想给新手提一下，戏曲中的个乐器音色和传统音乐中的类似，大多是本着“还原本色”的思路去处理，切不可为了某种目的把声音改变的面目全非（把高胡做成了二胡人家估计是交不了活的），这和流行音乐的乐器处理不大一样，切记，切记～（我干过这种事，大家尽量少走弯路）。 二、空间位置的安排 戏曲中的配器比较传统，大都讲究平衡，左边有什么，相应的右边也会对应的有什么，所以在后期缩混的过程中左右的平衡是不难做到的，一定要根据编曲的意图来平衡，好的作曲或编曲在声场的平衡上早就作了安排，这时候你只需要理解他们的意图并还原即可，他们写出的每一样的乐器都有自己的“角色”，在乐队演奏中的某个阶段起着不同的作用。要根据乐器的作用来安排乐器在空间的相对位置，比如说，当有高胡演奏主旋律的时候那么它的位置就不能太靠后，如果有人声，{zh0}在左或右（平面），人声的后面乐队的前面（纵深）。 在这里我想特别说说关于声像自动包罗曲线的应用，有些传统的思想认为，人的听觉是有记忆功能的，乐器在演奏过程中的相对位置是不能变化的，否则就不符合人的听音习惯。而我个人认为为了乐队的平衡在一定范围之内乐器的相对位置有时候也是可以改变的，当然，好的编曲除了有特殊目的之外一般不会这么去编配。如果很不幸我们没有碰到好的编曲，拿到的素材多多少少在局部就有些这类问题，那我们只能在我们的能力范围之内来解决，不能一味的抱怨人家做得不好，那样，大家就不要干活了，坐在家里抱怨吧！不过这类问题解决起来也是有个限度的，如果碰到了非常离谱的素材，那么，谁也没办法。 一般来说在乐曲中局部的不平衡是允许的，在音色上的叠加会令人非常的不舒服，此时我们可以通过自动包罗曲线在声像上做一定范围的谦让，错开在水平面的位置，之后再还原，看似不扬的方法在实际操作中的确很方便。但是还是要坚持一个适度原则，不能一会在左一会在右，那肯定是很难过的。 我们要学会用EQ来做纵深上的安排，不要一说做深度就是加混响，有时候EQ的确是一个不错的选择。 三、动态和表情 戏曲缩混中的动态和传统音乐类似，不会去过多的控制动态，根据编曲的“表情”，反而有时候要夸张动态，所以，在控制动态上要把流行音乐缩混的思维转换过来，还原动态，试想一下如果戏曲的动态和流行歌曲动态一样的话，那么戏曲估计早成为催眠曲了。还原动态也不是一味的还原，该压的时候我们一样要压，只不过这是大体思路罢了。 提到动态就不能不提“表情”，因为是“分期”录音和制作，戏曲中“表情”是不够丰富的，表现力孙色了很多，通俗的说就是该起来的没起来，该下去的没下去，这样的戏曲感染力是很差的，但从这一点上让人家一听就很“midi”，没有把“真实的乐器”和“虚拟的乐器”融合到一起，这就像一个大型舞蹈一样，演员来可能自不同的地方，但大家都是为了一个目标，在跳舞的时候该一起跳跃的时候就不应该有人站着，而且动作还要很一致，该躺下的时候就不应该有人坐着，这样才像一个整体，像一个团队，像一个节目。缩混戏曲也是一样的，音乐的表达要和音乐的情绪、表情整齐划一的，这个编曲在安排乐器上早已有了安排，缩混要做的就是让这些“安排”变得更加淋漓尽致，这时候，缩混的人已不单是一名录音师或者混音师了，摇身一变成为了乐队的指挥，整个戏曲的“生动度”在很大程度上取决于你这个指挥了。 在具体的操作中，要学会分析编曲的意图，每样乐器在不同时期都有自己的角色，要根据他们所扮演的角色而进行实时的地位调整。举个简单的例子，一提演奏的是主旋律，二提演奏的是副旋律，那么不用说二提在里面地位肯定不如一提，就是陪衬； 还要根据乐器的特性来调整，比如说一段非常紧张的段子，里面哪些乐器对这个紧张气氛起了直接的作用，哪些乐器起着烘托作用，这些都要认真分析后在下手调整，这就要求对乐器的能特性有所了解，宏观的把握各个部分的风格： 民族乐器，民族风格浓烈，色彩丰富，表现力也强。这是因为在戏曲乐队中，长期以来是以高音色彩乐器占统治地位的缘故。一般承担戏曲的旋律部分，在纵深的安排上一般都比较靠前，比较“抢眼”。由于个性十足，在处理民族乐器时要注意兼顾个性与其他乐器的融合度。 弦乐器，拥有宽广的音域又可以通过不同的运弓方法而获得各种色彩和力度的变化，再由于它便于奏出悠缓的长音，格外温暖和富于表情的音色，又最适于表达人的复杂多样的思想感情和内心体验，能较好地适应表现戏剧冲突强烈、感情变化复杂、故事情节紧张、人物形象丰富的严肃正剧，历有这些，很自然地使弦乐器组成为整个乐队的基础。由于时间资金条件限制，不是所有人都能够在音乐厅或剧院实录弦乐，那么用midi做的和多把提琴多轨录的弦乐就要注意弦乐组的群感，如果是采样音源还好，如果是录制的多把提琴那么群感问题将是一个令人xx的问题，上文已经提到改善的方法。 木管乐器，木管乐器好像融合剂，从音响功能上来说在乐队中主要是来融合其他乐器，木管乐器的声音不如弦乐器那样饱满，它的力度变化也不如弦乐器灵活。但是木管乐器的音色多样，音域宽广，它可以激化弦乐器的音响效果，也可以使铜管乐器的音响得到和缓，使整个乐队更加融洽和统一。 铜管乐器组，尽管它在技巧的灵活性和表现力方面都不及弦乐器组和木管乐器组，但是铜管乐器组的威力之大却是其它组乐器所不可企及的，在有力的全奏中，铜管乐器组是乐队的支柱，它的音响饱满而有光辉。 打击乐器组，打击乐器在乐队中没有独立的意义，它除了一般用以增加乐队音响的光辉和华彩，或者用作声音模仿的目的之外，主要是从节奏上强化乐队的音响，它在节奏方面所起的作用和造成的效果，在整个交响乐队中没有一件乐器可以同它相比。对衬托音乐内容、戏剧情节和加重音乐的表现力具有重要的作用。民族打击乐器在我国西洋管弦乐队中也常使用。和铜管组一起对音乐的气氛的烘托有着重要的影响。 了解了这些，当发现你的音乐“烘起不来的时候”首先要看看在“起”的时候都有哪些乐器，是否每个乐器都“物尽其用”了，很快你就能找到问题所在。 画表情说起来简单，但是真的做起来是很要功力的。平时要是要多听、多听、再多听！多听好的作品，感受其中起伏，表情，动态，音色等等，这样在实际操作过程中才有可能做好。就像存款，平时不存，用时怎取？ |
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