用MIDAI制作管弦乐队和MIDI流行音乐制作xx不同。
简单的说，流行音乐MIDI强调4大件（鼓、吉他、倍司、键盘），再加点色彩乐器即可完成一个满不错的MIDI伴奏带。因为，这4大件的传统演奏法（很有流动感，并有个性）。年轻的玩MIDI朋友们太熟悉了：鼓（东次答次）、吉他（匡-匡-匡匡）等。。。，这些欧美传过来的经典文化，凡是玩过几天MIDI的朋友都略知一二。但，用MIDI做管弦乐队就不是一个理念了。本人就6年玩MIDI的经验总结的体会如下：
1、MIDI做管弦乐队也强调4大件（组）——铜管组、打击乐组（含竖琴、钟琴、钢琴等色彩乐器）、木管组、弦乐组（提琴组）。但是决不能按传统理论（管弦乐法）的方法配置。否则，你会感觉太厚重、不清晰、没有层次。因为，MIDI的采样在着方面的音色是缺少个性的。
2、尽量少用重叠性的乐器，能不用的乐器干脆不用，要更多的突出本件（组）乐器音色的特点。
3、尽量减少纵向的音符，让声音的声场拉宽。
4、强调对比。
5、让音乐流动起来。
6、更加重视低音部的线条和音量（大提琴、倍大提琴）。
7、将铜管视为节奏型的打击乐器（SOLO除外）。
8、学会一点复调知识（哪怕是二声部对位）。不会也不用怕，凭感觉来，不好重来。
要更多的加入到声部中去，形成一个很有个性的线条。
9、和声就不用说了。。。
10、注意每件乐器位置声相的摆位（电视里经常有乐队的全视画面，照搬）。
举例，一首颂歌性的MIDI制作60——70左右的速度。前奏大气磅礴/A段优美抒情/B段高潮迭起：
前奏——先用铜管作出一段和声性的、强有力的节奏型，再加入定音鼓、大镲（或视情加入小军鼓的滚奏与节奏）注意：这是“节奏”也是该段的“灵魂”你把这一段的MIDI弄明白你就完成了前奏80%的工作了/用竖琴将声部用16分音符或32分音符上下流动起来/大提琴、倍大提琴和低音长号重叠一致（倍大提琴尽量降低一个8度）形成一个强有力的低音支持/小提琴用两个8度来演奏旋律，可用长笛、双簧管（或单簧管）与之重叠。
以上完成后感觉一下，是不是有点意思或进步了。哈哈。。。
如果还不满意（还想提高一点），接着来：（1）用元号演奏一段复调（对位）声部（这个声部可把大提琴加入重叠，但倍大提琴保持原样），注意一个原则，既：旋律声部密集，元号就是长音、旋律声部是长音，元号流动起来加入几句音符。（2）更难一点了。将前奏分成3段（或更多段）既：先是强奏（如前所叙）、再来一段弱奏（哪怕是一件乐器的独奏）、在是强奏。好了，该段不能再说了，越说越多。。。。
A段（优美抒情段落）——这种段落的伴奏方法太多了，我只介绍一种最简单实用的方法：将该段的和声尽量的简单化/先用倍大提琴将整个低音铺满/再在每个变换和弦的开始点，用竖琴以琶音的形式演奏或刮奏/用木管或大提琴或其他你认为合适的任何一种乐器进行复调性演奏（方法，我前面已经谈到），同时也可与旋律同步。总之，要有变化、纵向线条要简单（否则，声部太多，从音量上抢了演唱者的“油”）。这一段，主要强调线与点的结合，不要求太满。
B段与前奏差不多。只是，旋律声部可改为复调。
总之，几句话很难把MIDAI制作管弦乐队方法说清楚，而且，每个高手都有自己的绝招，我只是简单谈点个人体会。
另外说几句：
要想真正作好MIDAI制作管弦乐队，必须努力学习：
和声-复调-曲式-配器法，这音乐学院作曲系4大件的东西，等你喝足了洋墨水，再加上你原来流行音乐MIDI制作的功底，你一不小心就能出一个大作品，

作管弦乐(02)

乐队中每一件乐器都有自己的音域，超出音域的使用必然产生虚假和失真的结果。不熟悉各种乐器音域的认可以找一本配器法（大书店里都有出售）放在手头作参考。
    　　几乎所有的乐器在不同的音域有不同的声音，例如巴松的{zg}音区发出痛苦的声音，斯特拉文斯基在“春祭”的开头使用了这一音色。独奏弦乐器每条弦有不同的音色，但是提琴手不可能总用{dy}把位演奏，所以同一个音经常可以在两处甚至三处奏出。通常的采样音色库不可能给你准备这样细致的选择，因此挑选音色时应该着重注意你将要使用的音区，看这里的声音是否符合你的要求。讲究的音色库差不多对每个音分别采样，但也可能在{zg}和{zd1}的音区有所忽略。
  　　我最受不了带揉弦的大提琴{zd1}音C采样。这个音（非常具有戏剧性效果）不能揉弦的，使用大提琴{zd1}音C切记不要带揉弦。同样的道理也适用于小提琴的G，贝斯的E空弦。
  　　写木管声部的时候，你能用有趣的方法改变音色：让某件乐器在上方或下方。例如不要因为长笛在总谱的最上方就总是把旋律交给长笛，试试让长笛隐藏在和弦中部，由黑管奏旋律；用圆号或低音黑管代替巴松奏低音（圆号虽然是铜管乐器，但它圆润的声音经常被木管声部借用）。
  发音特点和演奏技术
  　　写管乐声部起码需要懂得吐音和连音（我虽然不是搞弦乐的，但也知道），一段连绵抒情的黑管或小号旋律如果全用吐音奏出，就别提多么呆板笨拙了。如果你的采样器具有单音连音（Legato）模式，试试用它奏独奏管乐器，这时同一个采样用于多个音符，有加连线的效果。如果你的乐器没有这一模式，可以试验把弯音音域设为五度或八度，在音序器中编辑弯音论的参数，使一个长音变成连音旋律（《中音技术》2000年第3期“弯音轮在演奏法中的新利用”一文对此有详细说明）。
  　　同时要记住管乐演奏家需要呼吸，你能写一个2分钟的小提琴长音（大家轮流换弓，发音连绵不断），但是如果你希望听起来象是人演奏的，就不能给长笛写一个这样长的音。
    　　了解和熟悉铜管乐器加上弱音器的效果，弦乐器也可以加弱音器，发出嘶哑但很美的声音。
  　　管弦乐的打击乐是乐队中非常重要的声部，用法与流行乐队截然不同。例如定音鼓有清晰的音高，漂亮的音色，巨大的力度变化。它的踏板可以奏出滑音效果，但是在18或19世纪的音乐中，低音鼓的音高是固定的，经常定在乐曲所用调的主、属音上。
  　　用调置轮为弦乐声部增加揉弦效果经常产生糟糕的结果。实际的弦乐声部每位乐师的揉弦全不相同，听起来才自然。按一般规律，越是激动的音乐就需要更快、更宽的揉弦，但是没有多少采样能允许你这样做。管乐声部经常由一支乐器演奏，加一点揉音到每个音符会产生不错的效果，但过大的揉音就会显得可笑，铜管一般不加揉音。
  　　弦乐采样经常带有一个比较柔和的音头，奏分弓或跳弓嫌不足，奏连音嫌多。这时只有动手修改起音包络，或叠加更多的采样加以改造。
  　　弦乐的拨弦经常用到，实际乐队奏出的每一个音，哪怕是同样的音高和力度，也有细微的差别。要模拟这样的效果，需要准备2个甚至3个拨弦采样轮换应用。声部的拨弦不可能刀切一样整齐，再好的乐队也一样，因此用独奏拨弦制作齐奏音色时要留心。
    　　演奏音乐中的同音反复很有学问，合成器奏同音反复很容易露馅。
  力度和句子
　　巴洛克时期的乐队使用“梯田”式的力度，声部或个别乐器的力度作台阶式的改变，常利用声部的进入和退出改变总体力度。海顿和莫扎特以后才有了作为音乐表现手段的渐强渐弱变化，优秀的乐队无论作渐强渐弱的连续变化还是力度的突然改变都很拿手。
  　　当然如果你为影视写作音乐，为了不淹没对话，经常需要把模拟乐队的力度限制在一个狭窄的动态范围。如果需要出现高潮怎么办？首先要转换到一个以Forte或Fortissimo采样的样本。许多乐器强奏和弱奏的音色截然不同；其次象作曲家写总谱时所作的那样加厚合奏声部，例如用大号加强大提琴和贝司的低音；再加一点混响模仿音乐厅被激发出来的回声；还要考虑减少一点总音量电平，以免前面的多项措施使总电平过高。
  　　乐器固有的动态范围有很大的差异，例如双簧管的动态相对窄些，而铜管使用弱音器能有很大的动态变化，弦乐声部的力度变化更大，浪漫派和现代作曲家经常要求很弱的声部，往往只用一、二个谱台（2或4把提琴），使得声部带有更多室内乐队的特色。如果你有一些很好的独奏弦乐采样，在低音量时混合到弦乐声部会有很好的效果。
  　　写作交响音乐很讲究乐句中的细致力度变化起伏。如果你的合成器响应MIDI表情控制器（CC11号），可以把它分配到一个推子上，回放的时候实时控制力度变化，甚至可以作一些“枣核”形（俗称，英文叫swell）变化。这样作之前当然要为受控制的乐器单独分配一条MIDI通道。如果你对管乐器很在行，MIDI呼吸控制器是很好的选择，能使你的旋律表情得到戏剧性的改善。
  　　取决于你谱写的乐曲的类型，你可以发现使用对比的乐队色彩将为音乐带来更多力度的趣味。一个乐队是巨大的调色板，虽然传统乐队不可能给大号、贝司、大锣写些快速经过句（MIDI乐队可以），但我们仍有许多奇异迷人的可能性可以探索。
  　　一个好的学习途径是买些古典交响乐CD唱片（贝多芬之后的任何作曲家都可以）来研究配器效果，如果能找到总谱更好。
  速度波动
  　　交响乐队在速度方面比流行乐队松散。一部分是由于乐队规模大，人数多。六、七十位音乐家需要协调他们彼此的手指、手臂、嘴唇、舌头，舞台有20米宽，10多米进深，距离最远的音乐家之间甚至有75毫秒的声音延迟！此外管弦乐队不象流行乐队始终伴有鼓手的强烈节奏，不论指挥的拍子划得多么xx（也有的指挥动作非常柔和），乐队的拍子不可能“黏”在他的指挥棒上，因为乐手同时还要看乐谱。仔细倾听真实乐队的演奏，一定可以发现它不象经过量化的音序。因此用键盘输入的乐器声部，有必要手工修饰得“不整齐”一些。
    　　速度变化（accel.渐快和rit渐慢）在流行乐队中不常见，对交响乐队可是家常便饭，比如一个安静的结尾通常总是伴随着渐慢。19世纪后半期的作曲家们往往在总谱上写上许多速度标记，作为表情记号的辅助。
    　　如果你为影视写音乐，速度的变化必须符合画面内容，这是另一项技术。
    　　指挥通常喜欢走在乐队的拍子前面，这样才能有效地“带动”乐队。如果反过来，乐队走到指挥拍子前面，他画的拍子还有什么用呢？乐队就成了“脱缰的野马”，指挥成了“马后炮”。在排练时出现这种情况，指挥一定会叫停，演出时这样就苦了指挥，为顾全大局，他只好拼命追上，夺回控制权。这种情况通常只出现在水平极差的业余乐队，训练有素的乐队可以跟指挥的拍子拉开距离，却仍然整齐。传说当年富特文格勒一挥指挥棒，静默足足7秒钟以后乐队整整齐齐奏出“贝五”的开头。
  学习捷径
  　　{zh0}的学习途径是多听交响音乐会。现场听乐队演奏与听唱片是xx不同的两回事。xx的乐队固然{zh0}，本地社区的也不要漏过，这类音乐会上你甚至有机会结识一些乐手，也许将来你可以请他们到录音棚为你录上几轨，真乐器演奏混合在采样制作的录音中能起画龙点睛的作用。

第四章 乐器演奏法的模拟（流程3）
经过前几章初级阶段的学习，你已经迈入了MIDI制作的门槛，从本章开始将学习音序制作的高级部分。实际上有很多从事了多年MIDI制作的人也仅仅如此而已，但是他们在音乐创作、配器等方面的功底很过硬，这在某种程度上弥补了他们在MIDI技术上的不足。可是这种不足随着时代的不同，作品重量级别的不同将会大大影响他们的作品质量，进而影响他们的制作水平和知名度。
只把一个音乐作品输入到电脑（音序软件）中，不做任何处理，是很难听的，如果能在演奏法模拟、动态（力度）表现、效果器等方面做适当的调整和处理，这时的音乐将会大放光彩，变得好听起来，这就是进入高级部分要学习的主要内容。首先接触的就是乐器的演奏法问题。
很多用电脑（MIDI）来制作音乐的人，都忽略了这个最重要的问题，即乐器的演奏法问题。他们在音序输入时只用合成器把每个声部的音符弹入电脑就算完工了，试想一下：“合成器的键盘怎么能够代替小提琴的弓子和琴弦呢？又怎能代替吉他呢？合成器只能代替接近键盘类的乐器而已。这时，为了使用合成器输入的音序符合小提琴、电吉他等其他乐器的演奏法，就必须将输入的音序做适当的编辑和修改，使其符合乐器的演奏法要求，听起来更加逼真。下面就来分门别类的介绍各类乐器的演奏法，但是由于篇幅有限，只能挑主要的、具有代表性的来介绍，其他的请大家多多参考各类关于乐器法和配器法的书籍。
4.1 弦乐器
4.1.1 弓弦乐器
弓弦乐器的声音形成原理是右手持弓并在琴弦上做各种各样的摩擦使其震动产生声音。所以，弓弦乐器的演奏法主要就是“弓法”。其声音特点是用语言无法表达的，简直是丰富多彩，可包容各种情感，是最赋与表现性的乐器了。
我们以提琴类乐器的常用弓法为准并结合电脑音序制作来说明有关弓法的问题。提琴类的弓法虽然复杂，但主要就包括三大类，即“连弓”、“分弓”和“断弓”。不论是“连弓”、“分弓”还是“断弓”在电脑音序制作中要想达到逼真的效果，就必须做特殊的处理才行，这和真实乐器的演奏是不同的。下面分别讲解。
1、 连弓（Legato）
即在一弓之内奏出两个以上的音的弓法。在乐谱上用连线标记（⌒），每个连线则表示一弓完成。
在电脑音序制作中如何实现逼真的连弓奏法呢？实际上很容易，简单的讲就是把前一个音的“音尾”对齐并超过后一个音的“音头”（即前音之尾与后音之头的距离）。超过多少要根据具体的音色而定。比如有的音色比较“干”，既无“混响”也无“延音”，这时就可多超过一些；而有的音色本身的混响或者延音就很大，这时就少超过或不超过为宜。另外要注意两弓（两个连线）之间的停顿和间隔，并正确的表达乐思。
用音序软件的钢琴卷帘窗来帮助说明这些问题是再好不过了。
2、 分弓（detache）
是把每一个音都用一弓（上弓或下弓）来演奏的弓法。演奏时弓子不离开琴弦，在乐谱上没有弓法标记。（如谱例4-2）
从上面的概念可以看出，分弓因其弓子不离琴弦，所以声音听起来应该是既不“连”又不“断”的效果。在电脑音序制作中如何实现这一效果呢？实际上还是调整前一个音的“音尾”与后一个音的“音头”之间的距离关系，要注意的是你同样需要根据音色而定，并且在节奏准确的情况下不要动任何音的“音头”。
3、 断弓（staccato）
即把每个音都演奏得轻快而短促，各音之间有适当休止的弓法。断弓根据其“断”的程度还可大致分为“连跳弓”、“跳弓”和“顿弓”。
在电脑音序制作中如何实现“断弓”的效果呢？实际上还是调整前一个音的“音尾”与后一个音的“音头”之间的距离关系，你还是需要根据音色而定，在节奏准确的情况下不要动任何音的“音头”。但因断弓又分为“连跳弓”、“跳弓”和“顿弓”，所以在电脑音序制作中还要根据不同的断弓作出不同的距离。
请注意，如果你的声源是采样器，可能就不必调整上述的弓法了，而直接选择符合这些弓法的音色就行了。可是你还要注意，即使是采样器，你还是要遵循弓法逻辑来进行音序制作的，甚至对某些弓法还要进行处理，特别是连弓。因为即使采样器中选择了连弓的音色，但MIDI键盘是不可能“拉”出提琴的连弓效果的。
另外，弓弦乐器除了上述弓法外，还包括“拨奏（Pizzccato）”、“震音（tremolo）”等等，这些弓法一般在音序制作中，需要先选择对应的音色，然后再做适当的修改就可以了。
4.1.2 弹拨弦乐器
弹拨弦乐器因为不用弓子而与弓弦乐器有着明显的区别。代替弓子的是手或特殊的拨片以及各种类似指甲的小工具。其声音特点与弓弦乐器相比，主要是不能发出较长的持续音，只能靠自然延音、轮指、同音反复等方法来形成听起来时值较长的声音，所以将这类弦乐器称之为“弹拨乐器”。
弹拨乐器的演奏法是通过手或特殊的拨片以及各种类似的指甲等的动作而定义的，一般常见的有“弹”、“挑”、“钩”、“抹”、“切”、“轮指”等等。