策划&统筹 | 10（北京）
执行 | 深焦编辑部
编辑 | 有毒崽（成都）
编者按：
在西德尼·吕美特看来：“虽然电影的目的是娱乐，但我相信有一种电影可以走得更远。它会迫使观众检视自己的良知，刺激他们思考，让精神的源泉流动。”6月11号至6月19号，2016上海国际电影节将如期举行。世界各地的影迷齐聚魔都，共同参与这一年一度的电影盛会。而在电影节期间，「深焦」也派出了小分队，为大家汇总新鲜资讯、深度评论、自制小视频等等。
那么在今天的推送中，深焦的各位作者也为大家带来自己了心目中的推荐片单。或许你已经买好了票，但说不定看完这篇文章，还会在xx修改一下个人片单呢。
（文10）
友情提示
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《边境杀手》
奥森・威尔斯的黑色电影《历劫佳人》的犯罪题材 + 赛尔乔·莱翁内西部片里的神xx般的男主角 + 希区柯克悬疑片《惊魂记》的反古典好莱坞结构／3 × 神一般制御的空中摄影和扣人心弦的音乐！！！
能在戛纳电影节大放异彩，并能角逐金棕奖足以说明，作为一部警匪动作片的同时艺术性兼备！不在大银幕和杜比环绕立体音下观看不如不看！
《欢乐时光》
因为：一般来说，能敢拍三个小时以上的电影的导演，要么是煞笔要么就是牛逼。所以：选择《欢乐时光》的风险要比选择一般两个小时左右的电影的风险要小。
结论：而当导演滨口龙介说这是他能剪辑的最短的版本的时候，你也许会觉得好笑。但不要担心，这部女版的约翰·卡索维茨《夫君》（1970），xx不是贝拉·塔尔那种形而上学的长，而是一种接近我们日常生活般的真实长度。四位女主角在内的所有登场人物都是素人演员，但神奇的是反而平添几分亲近。推荐！！！
《路边野餐》
阿城向侯孝贤说道：“你找到了限制，就找到了自由”。而这，几乎成了侯所有电影的准则。好，回到《路边野餐》。毕赣在极其有限的人生经历（27岁），极有限的制作环境下（独立制作），反而向我们开创出他成长的故土贵州黔东南的无限的世界来，那是关于回忆和梦境的世界。
当陈升穿上那件花衬衫的瞬间，仿若获得重生与救赎。也就在那一刻起，电影开始脱离中心的人物，脱离叙事的常规，在一个完整的41分钟长镜头里，散落成诗意的碎片。去年最期待的中国电影，实至名归。
《晚春》
如果说“嫁女儿”是小津电影中的经典主题，那么作为战后第一部嫁女题材的《晚春》便是经典中的里程碑，为其日后的作品奠定了基调，也是个中将父女间的情愫演绎的最为透彻的一部。风华绝代的原节子与温和睿智的笠智众父女两人定格的身影，便成为影迷心中的经典符号。无论是为致敬小津，抑或追忆原节子，或意欲通过镜头一窥日本战后昭和风貌，《晚春》的意义，自不必赘言。
《麦秋》
承袭自《晚春》的又一个发生在北镰仓的嫁女故事，笠智众与原节子的父女搭档再现，《东京物语》中的大女儿与大儿子客串为医院大夫与邻居婆婆，这些似是而非的巧妙联系，这些似曾相识的镜头与叙事，这些屡次重现的熟悉面庞，各中原因，也许正如小津自己所说，“我总说，因为我是个豆腐匠，所以我只做豆腐。一个人没法儿拍太多种类的片子。即使我的影片看起来似乎都一样，我其实总是在试图在每一部电影中表达一些新的东西。我就好似一个画家，总是不断的画着同样一朵玫瑰。“所以看似一样的玫瑰，《麦秋》也自有其值得玩味之处，从主题上看，由父女之间的小世界进入大家庭关系的处理，作为《晚秋》的承袭之作，《麦秋》更进一步进行了对于人生历程与生命轮回的深入探讨，从而传达了一种更增余韵的生活况味； 场景转换与空镜头的运用，静美至xx的取景，颇多可欣赏之处。在大麦成熟的麦秋之时，欣赏一部臻于成熟之作，也是应景呢。
《风柜来的人》
侯孝贤在1983年联合指导了《儿子的大玩偶》，xx台湾电影新浪潮的开端之后，于同年拍摄了奠定其在台湾电影圈地位的《风柜来的人》，该片描述了三个青少年在台北都市和澎湖风柜渔村间游荡的成长故事。既是侯孝贤与朱天文的首次合作作品，更是彰显侯导风格的里程碑之作。此部作品中，带有强烈个人印记的“乡愁”““成长”主题初现，对于青少年生命观、都市生活与历史变迁的描写刻画初见功力，成为了《童年往事》、《悲情城市》的滥觞。在感受传承自小津的长镜头美学之外，侯孝贤具有个人风格的收放自如的镜头调度更是值得赏味，更在后期得到了完善发展。
《爱在罗马》
我们越来越难在伍迪・艾伦的电影里看到老头子自己扮演的角色了。他最近一次在自己电影里露面是2012年这部《爱在罗马》，他演了一个视退休为死亡的曾是歌剧导演的怪老头。这个角色去罗马是为了和自己闺女的男友一家见面，但他无意中发掘了亲家公的歌唱天赋，于是非要折腾着把对方打造成歌剧明星。于是我们看到了一个由怪老头打造的一边洗澡一边展现动人歌喉的更奇特的老头。电影里让人不禁嘴角上扬的喜剧桥段还有很多。而电影由四个相对独立的故事组成，每个故事都非常轻快诙谐，同时带着狡黠的荒诞和风趣的嘲弄，而不同人物在罗马多样的奇趣遭遇相交织使影片显得精巧而复杂。通过这部小品式的电影，伍迪・艾伦依旧在刻画着中产阶级人物的生活，输出着他的人生价值观，贡献着随意却哲理的小句子。
千万不要因为这部电影达不到你想象的思想深度就感叹老头子创作力减弱和批评作品质量不如以往。相反的，请把《爱在罗马》当作一部适合休闲用的电影。你xx可以在电影院里躲开魔都的纷扰琐事，跟着伍迪老头感受罗马的典雅景致和体验发生在罗马的荒诞故事。用两小时的电影给自己放个微型假期，然后当你走出影院回归现代快速的都市生活时，说不定你走路时会稍稍慢些。
《无理之人》
伍迪・艾伦的魔力在于，他总是能让你爱上电影所讲述的故事，从而不自觉地放宽对故事里的人物的要求。大眼睛的艾玛・斯通和大肚子杰昆・菲尼克斯之间很难产生一种奇妙的和谐，演员之间的不来电会让你开始从注重演员如何表演转到注重具体人物到底在经历什么，进而思考他们的遭遇是纯粹的偶然还是因果链条上的必然发生。
伍迪・艾伦终于把存在主义拿上台面整了一出戏。悲观厌世的哲学教授需要通过实施一场谋杀来完成对自己的生活的重新把握，而年轻的女学生想要通过拯救这位颓废低落的教授来满足自己的浪漫幻想。伍迪老头借人物之口说，“ Much of philosophy is verbal masturabation.” 许多哲学无非是言语上的自慰，大家自说自话以进行自我精神满足，但真实世界荒诞且不可预测，是和哲学设立的理论世界xx不同的，而《无理之人》里男女主人公的遭遇会让人更觉得真实世界有趣和玄妙。
《午夜巴黎》
能把穿越桥段拍出新意和浓浓的怀旧质感，能把历史名人的性格按自己的理解进行塑造和曲解，伍迪・艾伦当之无愧拿到了他的第三个奥斯卡xx原创剧本的奖项。除了引人入胜的故事情节，《午夜巴黎》始终沉浸在浪漫氛围之中，精致的服饰以及场景设计，舒缓动人的爵士配乐，流畅的镜头语言，电影也提供了xx的视听体验。每个人都可以有自己认同的黄金时代，但老头子在肆意给旧时光示爱的同时，也提醒着我们这种怀旧情感其实来源于现实困境给我们造成的不满。
相信很多人都看过不止一遍《午夜巴黎》，但这毕竟是一部没能登上内地大荧幕的电影，所以对于喜爱这部电影的人，能在影院重温《午夜巴黎》必是件美妙的事情。
《大空头》
这部在年初颁奖季大放异彩的电影节奏实在快，群戏实在精彩，各种细节设计实在讨喜。其中，“打破第四面墙“的做法拉近了观众与整个金融行业的距离，也进一步传递“华尔街故作姿态只为显得难以接近”的信息 。坦荡荡地科普金融知识，饶有兴致地进行业内讽刺，《大空头》多线并行，将体制的原罪和从业者的平庸之恶刻画得真切而残酷。
本片卡司是不得不提的一大亮点，克里斯蒂安・贝尔、瑞恩・高斯林、史蒂夫・卡瑞尔、布拉德・皮特等一众好莱坞实力派男星同场飙戏，还有玛格特・罗比、赛琳娜・戈麦斯等的惊喜客串，xx值回票价。
《东邪西毒xx版》
在索尼经典发行的《东邪西毒xx版》的导演个人陈述里，王家卫说到，传统武侠世界是一个价值确立，以剑法为xx法的世界，并且江湖里发生的故事都属于英雄们，而他想偏离这种武侠类型片的固有设定，所以他的人物是一群成为英雄之前的普通江湖中人。于是，我们在王家卫的电影里看到了一个荒凉的沙漠和一片奇彩瑰丽的湖，一些因爱心碎的剑客和一些被情所困的女人。虽然这部电影可以被归类到武侠片，但该片在主题上与王家卫的其他电影是契合的。失去后的苦涩追忆和忏悔，浪漫主义的热望和臆想，标志性的人物旁白贯彻始终，刻意唯美的色彩设计和丰富多样的镜头语言，这无疑是一部具有代表性的王家卫作者电影。
《东邪西毒xx版》是王家卫亲自对于市面上流通的各版本《东邪西毒》的重新整合和再创作。由于最初版本的电影底片和音效材料有限，王家卫和他的同事们不得不各处找资源，最终他们在海外中国城放映港片的电影院的仓库里找到了足够的拷贝。这寻找和重构的曲折过程，似乎也印证着香港电影产业在这十几年间的起起伏伏。
《解语花》
自《假如爱有天意》之后，韩式“纯爱故事”开始变得越来越稀薄，除了2012年《建筑学概论》灵光一现式的惊艳之外，再难从韩式情爱中收获曾经的纯真与感动。2016年的这一部《解语花》无疑让我们看到了韩式“纯爱故事”依旧赤诚满怀的动容。影片的故事背景发生在1930年的日殖民时代，一个失落的民族正处于迷惘与摇晃的边缘，两个女人与一个男人的“时代恋曲”除了呈现出爱情本身的迷惘与苦涩外，更隐约描摹出了大时代飓风下个体挣扎的艰辛与酸楚。当乱世与爱情碰撞在一起时，总是能激荡起令人心碎动容的情歌火花。片中古香古色的民族谣曲，纷繁艳丽的光影与精致优雅的妆容让人沉醉，韩式“纯爱故事”与十年前相比具有了更为鲜明的民族风情。影片结尾，白发苍苍的歌姬重新唱起《朝鲜之心》时，我们不仅会为一段骤然消逝的爱情感动，更会为动荡时代下一个民族挣扎求生的纯真初心而潸然泪下。
《思悼》
2015年韩国影坛的头牌大作。李俊益导演以一则沉痛的“父子相斗”的历史事件延续他一贯深刻锋锐的思辨力，与2005年《王的男人》类似，李俊益透过真实的历史事件展现残暴的人性与不可预知的命运，从而完成了对于韩民族的“历史重述”。近几年来韩国古装电影层出不穷（《王的男人》、《奸臣》），其中反映出了韩国影坛对于民族历史“自觉补叙”与“真实呈现”的集体无意识，而《思悼》无疑是其中的反思杰作。影片借助宫廷之斗传递出韩国当下严峻的政治焦虑：怎样的社会制度/政治框架才能让权利的交叠不再出现这般的凶残？当人类对权谋的渴望要以损害传统的伦理观念与家庭秩序为代价时，政治作为稳定社会的准则其存在的xx价值又是什么？这部与中国《满城尽带黄金甲》相似的韩国宫廷故事却提出了远远超越于中国同行的深刻拷问。
《思悼》这部历史片看似格局狭小，讲述了一个令人痛心的“家庭内斗故事”。但狡黠的韩国影人却从中追述出了大格局的社会建设与政治规范问题。这种凝重的追述，对于一个民族自由民主性格的养成，具有强烈的培育意义。对于毗邻而居的华语电影来说，更是值得借鉴与深思的民族精神所在。
《京城学校：消失的少女们》
最吸引我的是影片中少女们所处的年代：1938年，韩国正处于日殖民时代，一段凄楚与悲凉的民族凝结时刻。朴赞郁导演的《小姐》也是选择了这个时代。当前韩国影坛对于日据时代充满了丰富的艺术表述与文化想象，这也使得“日据时代”成为当前韩影中一个尚待填补的“元叙事”段落，正如中国对于民国的活力想象，《京城学校》无疑契合了当下韩民族对那段动荡年代暧昧复杂的情绪：恐惧、愤怒与迷惘，其中少女精神异化的xx过程更使得影片具有了一层迷离而凄凉的色彩。
片中暗黑的哥特式奇幻风格与惊人的悬念陡转都有浓郁的朴赞郁“暴力美学”的影子。这部小成本电影风格强烈，你可以将其看成是未成年版的《小姐》，大量血腥的嗜杀片段让人猝不及防，其中少女凌空xx的超现实段落更是让人想起了《蝙蝠》。在这部魔幻色彩浓重的恐怖片中，你可以看到许多韩式恐怖片的鲜明元素，同时也会为导演独特的民族情绪表述而感染。当恐怖学校真相揭露的那一刻，影片背后所折射的屈辱的民族伤痛令人怅惘。
《检察官外传》
韩国犯罪片已经不单单满足于薄弱类型元素展现，与二十年前姜帝圭的《生死谍变》相比，《检察官外传》已经凸显出越来越丰富的融合气质：对于韩国社会极尽嘲讽之能事的戏谑与调侃，纷繁涌现的搞笑片段，惊险刺激的智斗砝码更是层出不穷。《检察官外传》在贺岁档强势登陆韩国影院，韩国影人用丰富的手法展露出了：即便是冷峻的犯罪题材，也可以在春节期间成为一道老少咸宜的“合家欢”盛宴。黄政民的“稳”与姜栋元的“跳”相得益彰，很好地平衡了影片的类型戏份。一老一少，动静相宜，《检察官外传》算得上是一部“眼泪与欢笑横飞”合格商业片。
从《检察官外传》可以看出当前韩影的两种倾向性。一是忠武路上的新旧演员交替在大银幕上渐次展开。新演员搭档老戏骨的票房大片模式在前些年的《义兄弟》与《思悼》中已然成型，韩影正迎来令人惊喜的新面孔；二是相比于初创阶段沉峻的人文焦虑，韩影对于社会政治的审视趋于戏谑化与消解性，这是韩影“现实主义创作”的一次趣味节点：与《摇尾狗》、《陆军野战医院》相似，当政治成为浓妆粉饰、夸张xxxx面小丑时，我们真正能够寻求幸福与快乐的舞台又在何方？
《xx报道：良辰xx记》
如果让我推选出2015年xx的韩国电影，我一定会执着选择这部电影。看完这部电影的瞬间就像孩子猛然发现了一块糖果般欢欣雀跃，酣畅淋漓的黑色幽默与层出不穷的冲突转折在2015年的韩影中xx算是精妙之作。
片中新闻界对于“真实”与“虚假”的探讨更是对奥斯卡金奖之作《聚焦》的主题延续，甚至体现出了韩国人更为别致的新意：当我们声泪俱下地打着“新闻调查”的旗帜高呼真实的可贵与质询的精神，真相与谎言的边际线又在哪里？如果因为相信谎言而完满生活真相的话，新闻的价值又该如何抉择？这就类似安东尼奥尼《放大》中深陷死亡漩涡中的摄影师一样，当真相与虚假暧昧不清，生活的多义性与复杂面常常会模糊我们现实生活的边缘，谎言有时也会衍生真相，只要我们的私欲蓬勃滋长，真实之厦就会碎裂一地，沦为单薄脆弱的浮光掠影罢了。
片中的记者在一系列荒诞可笑的闹剧下最终精神崩溃，希望向领导坦诚真相时，女领导厉声制止，吼道：“分辨真假从来不是我们新闻的事情，是看新闻人的事情。如果他们相信是真的，那就是事实。”疲惫的记者走出嘈杂忙碌的编辑室，出轨的妻子、愚蠢的xx与逐利的主编骤然成为普罗大众的符号映射，构成一种“真实”之外“真实”悲剧。可生活有时不正是这样吗？善意的导演让记者最终“屈服”，走向了“难得糊涂”的一时陶醉麻痹，可葬埋在镜头之后的失落的真实却会xx拷问着我们生活严苛的价值法则。
《黑祭祀们》
韩国电影时常透露出迷人绮丽的魔幻色彩，这也与韩国一直痴恋于基督教文化密切有关。作为一个缺乏自我信仰的民族，欧美的基督教风潮传至韩国时往往会激撞出一种凄迷冷寂的色彩，形成怪诞玄妙的宗教气息，这也呈现出韩民族对于异域文化复杂的心态，在痴迷沉醉之时又会不自禁地心灵抵抗：宗教既是纯真遗存的伊甸园，也是原罪堕落的殉道场。
《黑祭祀们》就细腻展露了这种混合的民族气质，同时构成了鲜明强烈的美学样貌：冷寂压抑的光影色调、骤然惊起的悬念之流、暧昧含混的角色形象、幽闭曲折的空间质感。韩国人以“赎罪”式的犯罪框架去兼融宗教元素，在朴赞郁的《蝙蝠》中已有前影。如果说之前的《蝙蝠》、《密阳》、《圣殇》还正处于韩国电影“反宗教”主题构建的先锋实验阶段，那么及至《黑祭祀们》已经展露出“韩式宗教犯罪题材”的成熟形态，最近的《哭声》更是将“反宗教”气质推向xx。
片中两个驱魔师合力拯救失踪少女，与恐怖魔法展开的嗜血抗争扣人心弦，激烈纷呈的“驱魔大戏”显示出了韩影新风向：“宗教大片”正成为韩影走向世界的民族符号，正如武侠片之于华语电影，“宗教大片”成为韩影拓荒处女地。片尾，年轻的驱魔师一番大战以后，微笑走向黑夜深处，这似乎也凝结着十年蜕变，类型丰富后的韩影走向世界的优雅姿态。
《维多利亚》
本作采取一镜到底的摄影方式，140分钟的片长也许会让一些观众望而生畏，然而这种手法独特的纪实与共感让观者仿佛亲临其境一般，同剧中人一起呼吸、心跳。这种不中断，不操作（至少看起来没有寻常剪辑所产生的人为操作感）的表现形式，让人实实在在感受到影像中时间的流动性。一部形式与内容势均力敌，水乳交融的佳作。
值得注意的是，连续的影像与断裂的声音之间的碰撞。比如，主人公们步入舞池时，理应响起的电音却被舒缓的琴声替代，这种在连续中制造断层，在断层中继续延展的手法富含诗意。
《乱》
《乱》是黑泽明的第27部作品，也是他xx的时代剧。黑泽明称《乱》为自己的「Life Work」，同时也是「献给人类的遗言」。全片蕴含着无数对当时社会的指摘，以及对自身境遇的反映，从主人公一文字秀虎的脸上可以看到黑泽明本人的神情（秀虎的旗印是日与月的图案，代表着黑泽明的「明」）。
《乱》的筹资历经艰难险阻，数次陷入穷途末路。然而黑泽明不曾放弃或让步，在日本电影普遍低成本制作的80年代，坚持打造一部鸿篇巨制。面对新兴的电视产业，黑泽明呼吁电影界必须拍摄「只有在电影院才能观赏的大作」，才能与其抗衡，《乱》则是黑泽明给出的xx例证。即使本作已有资源，却仍然值得我们为其买票，因为银幕才是《乱》的真正归属。
《追凶者也》
在去年的上海电影节上，曹保平的《烈日灼心》不仅让他本人拿到了xx导演奖，还将段奕宏、邓超、郭涛三个人同时送上了影帝的宝座。今年他又带着新片《追凶者也》来到了上海，再次入选主竞赛单元。本片已立项多年，沿袭曹保平的一贯风格，取材于真实事件，是一部背景为中国农村的黑色犯罪题材电影。曹保平曾在《光荣的愤怒》中熟练驾驭农村背景的剧本，犯罪题材也是他最拿手的影片风格，相信《追凶者也》一定能够保持其影片一贯过硬的质量。毕竟电影节还是以竞赛为基础，刷大师展映片的同时，主竞赛单元的影片同样不容错过。
《海上火焰》
这部今年柏林电影节的金熊奖好像没有引起太多的关注，当然也和本届柏林电影节的影片整体疲软不无关系。但是《海上火焰》作为xx大奖得主，其质量还是非常过硬的。导演吉安弗兰科·罗西曾凭借纪录片《罗马环城高速》荣获第70届xxx电影节金狮奖。《海上火焰》依然是一部纪录片，更准确的说，是一部“摆拍纪录片”。在本片中你看不到以往纪录片中访谈味很重的采访片段，有的只是对一个距离意大利70公里的孤岛的忠实记录，在这个岛上有无忧无虑的12岁少年，也有从经过生死考验，从炼狱逃离的非洲难民。导演将这两个并无交集的故事剪辑到一起，甚至连剪辑手法都不太一样。少年的部分用的几乎是剧情片的手法，再加上这个少年时不时的卖萌行为，使得这一部分看起来像是喜剧版的《单车少年》；难民的部分则是标准的纪录片拍法：朴实的长镜头，记录着触目惊心的真实影像。一部纪录片捧得金熊，确实有其独到之处。
《赫迪》
本片是47岁的突尼斯导演麦赫迪·本·阿迪的处女作，在今年柏林电影节拿到了xx处女作和影帝两项大奖。讲述的是一个突尼斯中产阶级家庭的小儿子，被自己控制欲极强的母亲控制一生，即将与一个不爱的人包办结婚之际遇到了突如其来的爱情，并试图逃离之前20多年的“软禁”人生的故事。影片的完成度非常高，大量的手持摄影也不见粗糙感，导演对于影片节奏的控制也颇见功底。对于人物的塑造也是一大亮点，在开场的一场戏中，通过短短的几句对话和表情，便将一个控制欲强、虚荣的母亲形象塑造的非常完整。在资源遥遥无期的时候，能在银幕上欣赏到这部冷门佳作的机会也是不容错过。
《鸟人》
前两天被那篇关于快手APP的“乡村魔幻现实主义”文章刷了屏？不如在大银幕上欣赏一下什么叫做真正的魔幻现实主义。虽然本片已经是前年的奥斯卡xx影片得主，在去年的北京以及上海电影节都有过放映，但相信还没有在大银幕上欣赏过本片的人依旧大有人在。《鸟人》作为十年来最无可争议的奥斯卡xx影片得主之一，让人一度看到奥斯卡学院摆脱迂腐思想的希望。虽然今年的评奖结果证明去年只不过是回光返照般的灵光一现，但也在一定程度上说明了《鸟人》是一部真正的伟大作品。即使你已经在家中的电脑上看过了本片，大银幕体验也是xx不容错过的。影片后段，迈克尔·基顿展开羽翼飞升上天的那一刻，将是你在影院最无与伦比的体验。
《镜子》
如果塔可夫斯基的电影只推荐一部的话，我一定会推荐这部。作为一部自传式作品，其碎片般的结构呈现的不单纯是梦境或诗意等塔式元素的堆砌，基于挽歌似的忧伤和对童年的慕恋，塔可夫斯基传达给观众的是他对自己所挚爱的人的感情：“我对他们永恒的同情以及自己的不足——觉得自己的职责尚未完成。“它是真挚的，是烙有个人符号且私密的。没有过多的隐喻，仅出于导演个人单纯的叙述欲望。有趣的是，在拍摄这部影片时塔可夫斯基受到了许多同事的指责，他之前一直合作的摄影师甚至拒绝拍摄，但《镜子》完成之后，这位摄影师坦言：“安德烈，这是你xx的一部电影。”
《潜行者》
在《飞向太空》完成之后，1979年塔可夫斯基拍摄了自己的第二部科幻影片《潜行者》。这部被土耳其电影大师努里·比格·锡兰在其作品《远方》中致敬的影片，摒弃了《飞向太空》中依托虚构的索拉里斯星构建的奇幻背景，在《潜行者》中，塔可夫斯基回归了自己挚爱的大地。影片讲述了在一块被陨石击中而变成荒芜之地（实在取材于1957年发生在苏联的核事故），三行人企图穿越这片秘境实现内心欲望的故事。在影片中塔可夫斯基所营造的末日场景，孤独静谧却又美轮美奂，仅凭这些就足以让人倾倒。而至于影片本身的晦涩难懂，我想应该没有人轻易就识破塔可夫斯基的光影奥秘?
《乡愁》
除了在北影节展映的五部影片，本次上影节又增添了塔可夫斯基的其他三部影片，包括《压路机和小提琴》，《伊万的童年》和《乡愁》。其中《乡愁》更是一部不可错过的影片。在以男主角戈尔恰科夫为视角，塔可夫斯基着眼于这个俄国人身处异国他乡纷至沓来的种种感受，展现了整个俄罗斯移民在被深沉的乡土依恋包围的状态中，颠沛流离于异国生活难以被同化的悲情，以及拙于融入其中的挣扎感。透过影片中阴郁的景象，你会从荧幕中感受到从开始延续到结尾的浓烈乡愁和悲苦。这部在意大利拍摄的“俄国影片”，自然也饱含着塔可夫斯基个人的情感色彩，而在《乡愁》完成之后，塔可夫斯基却再也没有回到过俄国。
《牺牲》
作为塔可夫斯基生前制导的xx一部作品，观看《牺牲》似乎不再是一次纯粹的观影体验，或多或少都有些特殊的意味在里面。在这部关乎救赎和牺牲的作品中，塔可夫斯基探讨了个体在物欲横流的时代中，如何在作为“盲目的消费者”和通往心灵救赎的道路中作出抉择。影片中最让人触目惊心的一场戏莫过于长达6分半的烧毁房屋，亚历山大以几近残酷的方式实现了誓言。在烈焰之中燃烧殆尽的我想除了亚历山大视为非生命所需的罪孽，同样还有这位电影大师制影生涯的xx时光。而影片也在1986年获得了戛纳电影节评委会大奖，同年，塔可夫斯基因肺癌在巴黎病逝。
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